Arte Verde

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Ida Tursic e Wilfried Mille sono un raro esempio di pittori che lavorano sistematicamente in duo. Tutte le loro opere, infatti, vengono realizzate a quattro mani, i due artisti condividendo i compiti senza mai riuscire a individuare chi sia all'origine dei dipinti prodotti. Si tratta quindi di un caso molto particolare in cui la pittura non viene più svolta da sola in studio ma si sviluppa veramente come una produzione in cui ogni decisione, ogni intervento è oggetto di una decisione comune.
Da quando, nel 2000, hanno iniziato a collaborare come duo Tursic & Mille hanno interpretato il sovraccarico contemporaneo delle immagini e il loro rapporto con la rappresentazione pittorica, mettendo in discussione la loro riproduzione, circolazione e scomparsa. Estratta da film, riviste, media e dall'enorme repertorio di dati disponibile su Internet, questa fonte illimitata di materiale anonimo e preesistente viene consumata e trasformata in dipinti. Con i loro paesaggi, l'erotismo, i ritratti e le composizioni astratte, Tursic & Mille offuscano le gerarchie preesistenti tra tutti i tipi di immagini, con l'obiettivo di andare avanti con la storia e il genere della pittura così come esiste nel 21° secolo.

Arte verde è una rubrica curata da Anne Claire Budin

 

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Frans Krajcberg (1921-2017) è un artista brasiliano del XX secolo. Scultore, pittore, fotografo, fervente attivista per la causa ambientale. Nato in Polonia nel 1921, da famiglia ebrea, ha perso tutto durante la guerra ed è emigrato in Brasile, dove affascinato dalla ricchezza naturale della flora e della fauna, si è stabilito per creare senza sosta fino alla sua morte.
Per tutta la vita, Frans Krajcberg ha messo la sua arte al servizio della natura per "dare vita a un movimento che mobiliti l'espressione di un coscienza planetaria”.
Invocando “una nuova etica della creazione artistica”, ha ricordato che l'artista, più che mai, “deve essere al centro di ogni progetto di civiltà: completamente e radicalmente”.
Frans Krajcberg è un testimone essenziale del Novecento e attore impegnato nella grande lotta del XXI secolo: preservare il pianeta. Le sue opere sono un grido di allerta e di speranza.
Attraverso di esse, non ha mai smesso di denunciare il saccheggio delle risorse naturali da parte dell'uomo, illustrando allo stesso tempo la sorprendente capacità di resilienza della Natura.
Le sue sculture e assemblaggi sono realizzati con legni "salvati" dai fuochi della foresta amazzonica, mazzi di liane intrecciate, tronchi policromi o quarzo minerale... le sue tele sono impronte prese direttamente dalla natura circostante (sabbia, rocce...) , arricchite con pigmenti naturali estratti dalle miniere di Minas Gerais. Frans Krajcberg gioca con le ombre e le luci proiettate sulle sue sculture, che amava rielaborare con le stagioni.
Il suo lavoro sembra perseguire una ricerca interminabile: riportare in vita ciò che è morto.
Nel 1975, la sua mostra al MAM Beaubourg ha confermato la sua volontà di mostrare la natura dimenticata per denunciare la minaccia dell'estensione urbana della terza rivoluzione tecnologica . "Lì ho capito che Art for Art era finita e voglio che le mie sculture siano testimoni di questo disastro".
Nel 2017 è stato il primo artista invitato al Musée de l'Homme di Parigi come informatore per affrontare la domanda essenziale di" dove stiamo andando?

Arte verde è una rubrica curata da Anne Claire Budin

 

 

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Toshihiko Mitsuya ha completato i suoi studi nel 1979 presso la rinomata Seian University of Arts di Otsu, in Giappone per poi stabilire il suo studio a Berlino nel 2009. Il suo lavoro di Mitsuya è incentrato sulle sculture in alluminio. Quello che è iniziato all'età di cinque anni come lavoro artigianale, è diventato un mestiere che l'artista ha perfezionato in oltre 30 anni.
Mitsuya usa l'alluminio per creare principalmente oggetti naturali, forme organiche - un contrasto che l'artista cerca consapevolmente. I soggetti delle sue opere (piante, animali e creature mitiche) sono un mix tra rappresentazione fedele ai dettagli e l'autocreazione fantasiosa.
La superficie delle opere di Toshihiko Mitsuya - a differenza delle statue in bronzo, pesanti e con una superficie invecchiata, patinata - è apparentemente priva di imponenza che potrebbe altrimenti essere raggiunto attraverso l'utilizzo di materiali scultorei tradizionali o glorificati; ma il riflesso del foglio di alluminio che brilla sui corpi delle opere pone l'attenzione sulle condizioni dello spazio e sulla loro precisa composizione all'interno della galleria, minando le narrazioni dai motivi raffigurati. In questo contesto, il foglio di alluminio rappresenta la transitorietà della vita in contrapposizione con quella che è la natura del metallo stesso. Tutto brilla d'argento come una scena futuristica in un film di fantascienza.
Lo spettatore incontra l'opera di Mitsuya, come un miraggio che proietta un paesaggio reale ma privo di sostanza. Un'illusione che appare all'improvviso nello spettatore per creare un dialogo con questa visione spettrale che suscita stupore e apprezzamento.

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Bob Verschueren è un artista visivo autodidatta, nato in Belgio, nel 1945. Ha iniziato la sua carriera artistica alla fine degli anni Sessanta praticando la pittura. Nel 1978 si è rivolto alla Land Art creando dei "Wind paintings", pigmenti naturali diffusi nel paesaggio dal vento e dei "Light paintings", una riflessione sulla natura di fronte alla luce.
Dagli anni Ottanta, per realizzare le sue opere, utilizza esclusivamente materiali naturali, soprattutto piante. Da allora, ha creato più di 250 installazioni in Europa e altrove.
Per ogni sua opera, Bob Verschueren si assicura che l'architettura del luogo, la natura e il materiale scelto siano in perfetta armonia. Rimossi dal loro ambiente naturale, gli elementi raccolti per costruire gli impianti sono destinati a decomporsi. In questo modo Verschueren mette costantemente in discussione il legame indissolubile tra la vita e la morte.
Esplora anche altri campi come il suono (Catalogue de plantes), l'incisione (Phytogravures), la fotografia... Una terra desolata, una foresta, uno spazio espositivo diventano per lui tanti spazi di sperimentazione. Solo due delle sue opere sono permanenti. Sono presentate a Bruxelles presso la Maison d'Erasme e il Jardin des Visitandines ed entrambe costituiscono una bolla di meditazione all'interno della città.
“Le mie opere non contengono messaggi. Evocano più le mie domande sui rapporti antinomici tra la vita e la morte, la creazione e la distruzione, sul posto dell'uomo nella natura e sui rapporti tra etica ed estetica. Cercano inoltre di cambiare il nostro punto di vista sui rifiuti e di farci riflettere sui problemi che ne derivano.
Ogni opera ha il valore di una metafora e non di un simbolo. Non voglio incapsulare le mie opere in letture obbligatorie e univoche. Preferisco lasciarle all’interpretazione di ognuno, con la propria sensibilità, la propria conoscenza. Cerco di dare alle mie opere un carattere da evento. Quando un'opera entra in risonanza con il luogo in cui viene installata, diventa evidente, instaurando una tensione tra l'atemporalità della proposta e la sua natura effimera.
Per me, la natura effimera di un'opera ha un'influenza sul modo in cui la gente la guarda. Ritengo che ogni visitatore di una mostra sia portatore della sua memoria. La fotografia di un'opera non è la finalità della stessa, ma una parte della sua memoria.
Nella stragrande maggioranza dei casi, i materiali utilizzati sono dei rifiuti. Il passaggio dallo status di "natura" a quello di "spazzatura" è uno dei punti centrali della mia riflessione.
Vedo l'intera opera come una sorta di viaggio iniziatico, in cui la natura mi dà vere e proprie lezioni di filosofia, lezioni di vita".

 

Arte verde è una rubrica curata da AnneClaire Budin

 

 

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“Ci sono così tanti aspetti strani e sconcertanti di Jeff Koons, della sua arte e della sua carriera che è difficile sapere come affrontarlo”.
Jeff Koons nasce nel 1955 a York, in Pennsylvania. Si forma presso l’Art Institute di Chicago e il Maryland Institute College of Art dove conclude gli studi nel 1976. Nel 1977 si trasferisce a New York dove inizia a lavorare al Museum of Modern Art, facendosi conoscere per i suoi vestiti e i capelli stravaganti, oltre che per la sua impressionante abilità nel vendere arte. Proprio in questo periodo Koons inizia a lavorare con i fiori e i conigli gonfiabili, usando una combinazione di plastica, plexiglas e specchi per produrre sculture sorprendenti.
Fin dall’inizio della sua carriera negli anni ’80 Koons, rielaborando l’eredità del ready-made duchampiano e la lezione pop di Warhol, realizza lavori che mettono sullo stesso piatto della bilancia opera d’arte e merce. I suoi lavori ci parlano del consumismo, del cattivo gusto, degli oggetti banali che popolano il nostro quotidiano. Nel 1992 porta a Kassel, per Documenta 9, la scultura Puppy, un terrier West Highland fatto di terra e fiori, alto 12 metri: è un successo tale che dopo la manifestazione viene esposto in altre città, tra cui New York, Sydney e Bilbao. La serie Celebration, cominciata nel 1993, isola oggetti legati a eventi celebrativi. Palloncini a forma di animali, fiocchi colorati, enormi cuori sono riprodotti in acciaio inossidabile oppure trasposti olio su tela con tecnica iperrealista. Adottando quella che lui stesso chiama ‘estetica della comunicazione’, Koons crea un universo di oggetti-feticcio perfettamente riconoscibili che diffonde viralmente padroneggiando, quasi fosse un esperto, tecniche di marketing e strategie pubblicitarie.
Negli ultimi anni Koons è tornato sul palcoscenico internazionale, oltre che per le vendite a cifre stratosferiche, per la coloratissima scultura Bouquet of Tulips, installata a Parigi nel 2016, ispirata alla Statua della Libertà, come memoriale alle vittime degli attacchi terroristici in Francia.

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