Arte Verde

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Nato nel 1957 nello stato di Washington, Jim Hodges ha sviluppato, dalla fine degli anni '80, lavori radicali e originali in cui il disegno è onnipresente. Tratta la fragilità, la temporalità, l'amore e la morte usando il vocabolario della natura e traendone ispirazione. Il risultato è semplice, bello, espressivo.
Molto contrastante, il lavoro di Hodges può essere minimalista per la spogliatura di alcuni pezzi o barocco per la sua esuberanza, la ricchezza dei materiali utilizzati, i colori sontuosi e scintillanti che usa. L'artista americano esplora sia materiali modesti come carta, pezzetti di colore o fiori di stoffa, sia materiali più sofisticati come la foglia d'oro. Le sue opere, influenzate dalla natura, dalla letteratura ma anche dalla spiritualità, combinano questi materiali con un lavoro meticoloso e preciso di collage, cucito, assemblaggio e taglio.
Che si tratti di sottili ragnatele in una catena d'argento, foto ritagliate, assemblaggi di spartiti musicali, fiori appuntati o specchi rotti che disegnano un'altra immagine della realtà, Jim Hodges esprime la sua visione attraverso il suo lavoro di un mondo segnato tanto dalla bellezza e dalla gioia di vivere come di malattia e di morte.

Arte verde è una rubrica curata da Anne Claire Budin

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Philippa Lawrence vive nel Regno Unito a Spike Island ed è docente principale della Cardiff School of Art & Design. L'artista lavora sul campo e questo le dà l'opportunità di connettersi con gli altri.
"Facilito modi di vedere e di essere -afferma Lawrence- coinvolgendo le persone nell'esperienza che stanno vivendo e creando una relazione con il sito".
I suoi processi e le sue scelte sui materiali sono sempre guidati dalla ricerca e dal contesto. Lavora con una varietà di materiali e tecniche diverse: foglia d'oro, vetro soffiato, manufatti industriali, stoffa, inchiostro, fotografia, legno grezzo, lucidatura francese, smaltatura, pergamena di montone, filato, neon, insetti e piante.
Considera l'impegno umano con la terra e le sue risorse, il valore mutevole, la produzione e lo stato dei materiali, dell'arte e dei manufatti ed é coinvolta nella ricerca continua del patrimonio culturale e degli ultimi praticanti dell'artigianato tradizionale.

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Linda Tegg è un’artista contemporanea australiana che sfrutta la natura per alimentare il suo processo creativo. Le sue opere spingono al dialogo fra differenti specie nell’ecosistema urbano, invitano ad una maggiore consapevolezza ambientale facendo leva sul concetto di condivisione possibile degli spazi.
Il suo nome non è passato inosservato né alla scorsa Biennale di Architettura di Venezia, quando ha trasformato il padiglione del suo paese in una rigogliosa prateria autoctona, né al Salone del Mobile 2019 di Milano quando ha installato permanentemente alcune piante spontanee raccolte da siti abbandonati.
“Lavorando con animali e piante, ho acquisito consapevolezza della moltitudine di prospettive che possono convergere in qualsiasi luogo“, ha spiega Tegg. “Il luogo in cui parcheggiamo la nostra auto per un’ora, potrebbe essere contemporaneamente abitato da centinaia di specie di piante e animali”.
La sua installazione Infield si inserisce proprio in questo dibattito: come rendere le città svedesi più sostenibili ed etiche, attraverso un approccio migliore all’architettura, all’arte e al design, suscitando domande su come potrebbero apparire gli spazi pubblici del futuro se si lavora con la natura anziché contro di essa. L'obiettivo è proprio quello di creare spazi per le specie non umane, condividendo la città con loro.

Arte verde è una rubrica curata da Anne Claire Budin

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I ritratti ad olio delle donne di Ewa Juszkiewicz capovolgono le convenzioni di genere. L'ispirazione dell'artista spazia dal Rinascimento fino al XIX secolo e le sue opere somigliano ai dipinti storici europei dove però i volti del soggetto vengono sostituiti con una distorsione surreale o grottesca. In alcune composizioni la testa della modella viene avvolta da lussureggianti composizioni floreali.
Nata a Danzica in Polonia, Juszkiewicz vive e lavora a Varsavia. Ha iniziato la sua serie di ritratti femminili nel 2011 e tutt'oggi continua la sua opera evocando l'inquietante senza compromettere l'armonia estetica delle immagini. Classici nel metodo ma sovversivi e persino ribelli nei contenuti, i suoi dipinti decostruiscono gli ideali di bellezza femminile e i contesti in cui sono sorti e in cui persistono.
Ewa Juszkiewicz crea dipinti ad olio su larga scala raffiguranti capelli intrecciati e vegetazione come boccioli, foglie fresche o foglie cadute ed erbe secche che stanno mutando in modi diversi. Questi possono essere visti letteralmente occupare e superare i confini della tela e creare superfici unificate su uno sfondo neutro, quasi monocromatico. Ogni tela si rifà alla ritrattistica durante l'Ancien Régime.
Il titolo della sua ultima mostra è un riferimento diretto al poema settecentesco di Anna Laetitia Barbauld, 'Ode to Spring'. Il versetto originale recita: "Incoronato di fiori freschi e ombra sempre primaverile". Nello spirito di Barbauld, l'artista ci invita a considerare la natura in tutte le sue terribili e belle incarnazioni e a vederla con uno sguardo più clinico. Abbracciando la profusione del vegetale e dell'organico in questi ritratti finemente eseguiti, l'artista afferma la sua riverenza per la natura.
Da tempo l'artista desidera dipingere organismi vegetali viventi nelle diverse fasi del loro sviluppo, così da riflettere sui cicli vitali e sui vari stadi di crescita dei fiori, delle foglie appassite, della materia appassita, dell'erba secca.
"Mentre lavoravo a questi dipinti - osserva Ewa Juszkiewicz - ho pensato molto alla caducità della vita. Mostro segni di avvizzimento e marciume. Dalla fioritura al ciclo inevitabile della morte che non aggira nessuno degli esseri viventi".

Arte verde è una rubrica curata da Anne Claire Budin

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Ida Tursic e Wilfried Mille sono un raro esempio di pittori che lavorano sistematicamente in duo. Tutte le loro opere, infatti, vengono realizzate a quattro mani, i due artisti condividendo i compiti senza mai riuscire a individuare chi sia all'origine dei dipinti prodotti. Si tratta quindi di un caso molto particolare in cui la pittura non viene più svolta da sola in studio ma si sviluppa veramente come una produzione in cui ogni decisione, ogni intervento è oggetto di una decisione comune.
Da quando, nel 2000, hanno iniziato a collaborare come duo Tursic & Mille hanno interpretato il sovraccarico contemporaneo delle immagini e il loro rapporto con la rappresentazione pittorica, mettendo in discussione la loro riproduzione, circolazione e scomparsa. Estratta da film, riviste, media e dall'enorme repertorio di dati disponibile su Internet, questa fonte illimitata di materiale anonimo e preesistente viene consumata e trasformata in dipinti. Con i loro paesaggi, l'erotismo, i ritratti e le composizioni astratte, Tursic & Mille offuscano le gerarchie preesistenti tra tutti i tipi di immagini, con l'obiettivo di andare avanti con la storia e il genere della pittura così come esiste nel 21° secolo.

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